カテゴリ:美術( 31 )

テマヒマ展

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久しぶりに21に行ってみたら面を食らってしまった。
なんとなく感じていたことが、体験を通して少しずつ確信へと向い始めている。

建物をつくる人として、少なからずも社会に何かしらの影響を与える。
だから、3.11以降に何かしらの意識を変えていかんなと思ってるし、
ほっといても変わらざるを得ないことも多々あると思う。

そこで、大きく日本を俯瞰してみると、ゆっくりと着実に変化が起きてるように感じる。
その一つが東京の一極集中的な考えが、緩やかに分散し始めていること。

渋谷ヒカリエに入っているd&departmentに行ったとき、
d&departmentという自社のブランドの看板を大げさに主張していないところが、印象的であった。
あくまで、日本各地から集めてきた「もの」が主役であり、
セレクトショップというかっこよさはなく、ただみんな気軽に立ち寄れる蚤の市にでもきているようだった。

ものと人がよりダイレクトに繋がり、その繋がりを通してこのものの生産地や作る人はどういったものなのか、
丁寧に説明を読んで吟味したくなる。
消費者というよりも使用者のような、「もの」を通して人と人が繋がる感じがあった。
それはもはや「もの」を通り越して「こと」を通してのつながりではないだろうか。
かならず「もの」が生まれる過程には誰かが「こと」を起こす必要がある。
その「こと」にまで入り込んだものの本質に切り込む理想的な商いが行われる期待が持てるものであった。

100円ショップのような、大量生産&大量消費はもうエコじゃないしカッコ悪いゾ。
って考え方が世間に広がっていってほしいと思う。
それが直接的に3.11をきっかけにとは言わないにしても、
それも1つの大きなきっかけになっていくように感じる。
多くのものが一瞬にして流されてしまって、
ものに内在する価値の本質がより重要ではないのか、と気づきはじめるのではないか。
もし、「もの」から「こと」への転換が実行されれば、人間味の溢れるより豊かなものが生まれてきそうだ。

また、所有することよりも使うことにものの価値を見出していければ、
そのものを失ってしまっても代償は小さくて済むし、生活が楽しくなるはずだ。
また、使いつづけるものには限界があるから、所有するものも少なくて済む。
これからは、自分が厳選していいと思うものだけを持つ。そんな時代になっていく。
だから自ずと、ものに求められる品質やデザイン力は高くなっていくし、それが生まれる過程も重要視されていく。
それと同時に、負のスパイラルでできているようなものは厳しく淘汰されていく。

働き方にしても、ノマドワーカーが注目されていたり、
新しい働き方という言葉が世間を賑わせているのをみていると、
東京の大企業の一極集中から、次第に分散してきている。
本当の意味での多様性が社会にやっと現れてきたのではないだろうか。
日本全体の均質化というと、ちょっと冷たい印象だけど、
ここで目指すものは全体がもっと個性豊かな均質状態になっていくことだろう。

今の調子だと、2050年になるとは65歳以上人口が四割に達する。
そんな社会になったらどうなるか。先行きの見えない財政のために、
一軒家の買い物が減少していきその代わりに、
狭い場所でいいものを少なく所有することに関心が集まるのかもしれない。
人口推移の変化から見ても、ものに対する意識は今とは全く違うものになっていくはず。

また世界のグローバル化が進みきった先にどうなるか。
ものづくりや人が世界を流動すればするほど、
逆に自分の国の愛国心はより強化されていくと思う。
留学した友人が口を揃えていうことが「自分が日本人であることを痛感した」ということ。
世界遺産がより強固に意識されたり、地方が脚光を浴びたり、
その背景には実はよくないものとされたいたグローバル化の波が逆にショック療法的に働いて、
それぞれの文化の強度を強める働きがあるように思える。
その1つの現れとして、「もの」の再評価が行われようとしている。


トドメがこの21のテマヒマ展であった。
東北の様々な地に足を運んで、同じ空気を吸いながら、話して、食べて、心を動かす。
映像の紹介では説明が全くなく、ただその場を経験しているような、
職人が生み出す未知の領域には永遠に触れられないけれど、
それがそのままずっとあってほしいと思わせるような、感慨深いものがあった。

映像でそれぞれの現場を経験した後の、実際にみるものたちは、
とてもリアルに訴えかけてきて、ゾクゾクさせるものがった。
「もの」が「こと」を通して豊かなイメージと共に創作されていくことが確認できる、理想的なもののあり方を提示してくれた。
それは東京の雑踏の中で忘れかけていた、ものの力を思い出させてくれる展示でもあった。


あらゆるものが、それを創る人のイメージと共にあれば、もっと楽しく美しいもので日常が溢れていくはずだ。
そこにはもちろん言うまでもなく、テマヒマを惜しまないことが大事。
そういうことを、理解せずとも当たり前に生活の中にあるような世の中に早くなってほしい。





「テマヒマ展〈東北の食と住〉」
佐藤卓さん×深澤直人さんインタビュー

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by tokup_nao | 2012-06-28 01:51 | 美術 | Trackback | Comments(0)

野見山暁治展

野見山暁治展
2011年10月28日(金)〜2011年12月25日(日)
ブリジストン美術館

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よく学生のころ、この設計が終わったら自分が変われるかもしれない・・・、また違うステージに行けるかもしれない・・・、この建築が完成したらどんな風になるんだろう・・・、他の誰でもなく自分がこの建築の最後をみてみたい・・・、といドキドキ感の中で設計を行っていた。あの感覚はゾクゾクして癖になる。あの感覚はものづくりの人に共通するものだと思う。
ズントーが言っていた。「建築の為なら人を殺す以外のことなら何でもできる。」 あの狂気にたどり着きたい。バガボンドで武蔵が炎のような気持ちになって夢中で刀で切り合い技を昇華させていく。あの感覚がヒリヒリと気持ちに突き刺さるほどわかるときがある。
一方で体を残酷な程追い込み、一方でワクワクとした気持ちが加速していく。死んでこの世から亡くなるまで、もう誰にも止められない。

野見山暁治の絵からはそんな狂気的なゾクゾクとワクワクが感じられた。こんな画家が日本にいたのだと、そしてまだご存命なのに驚いた。絵の前の椅子に座ってずーっと一緒に居たかった。出来ることならハグしたかった。美術館を出るのが惜しまれた。肩をポンと叩かれた気がして振り向くと、もうそこには誰もいなかった。そう、僕は一人で歩き出して、自分の手であのドキドキに飲み込まれなければいけない・・・。

あの夜、門前仲町のバーで僕はあなたに呟く。

「鬼になりたい・・・。」
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by tokup_nao | 2011-11-30 01:59 | 美術 | Trackback | Comments(4)

恐るべし 世界の黒澤

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黒澤明生誕100年記念画コンテ展
場所:東京都写真美術館
会 期: 2010年9月4日 ( 土 ) ~ 10月11日 ( 月・祝 )
休館日:毎週月曜日(休館日が祝日・振替休日の場合はその翌日)

ラヴズ・ボディをみるついでに黒澤明監督のコンテ展見たんだけど、ついでにみた自分を恥じるほど良かった。一言で言うと、「ド迫力」。感情が絵の中に吐き出されていながら、ディテールが精密に描かれる。ルーカスのインタビューの映像を見るとそれらがどういう役割をしていたのかが良くわかる。
ただ僕は、黒澤明監督の作品は一つも見たことない。そのインタビュー映像に時折でてくる映画の一場面がコンテ画と全く同じに構図で雰囲気でびっくりした。やりたい映像がそのまま実現されていた。才能のある人はその感情を伝える技術が非常に長けているのだなとしみじみ思う。その感情の吐き出し方にも熟練が必要なのは言うまでもない。もともと画家を目指していた黒澤だからできることだ。

なかでも、自分よりもでかいコンテ画(あれはコンテ画と言うのか?)の迫力にはヤラレタ。
鑑賞者の感情をたたき切る感情が、侍のごとく襲いかかる。
耳を塞ぎたくなるほどに鼓動が高鳴り、息が切れ、身体が重たくなってくる。
一つ一つの感情の動きと表情の変化、それらが刻々と流れる時間のなかで浄化されていく。
ここはもう映画の中なのかもしれない。

対談 黒澤明vs北野武
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by tokup_nao | 2010-10-08 02:52 | 美術 | Trackback | Comments(7)

チェンジ!エコロジズム・センス!!

ネイチャー・センス展/森美術館
2010年7月24日~11月07日

たとえマルクス主義が死んでも、裸の王様は、新しい服をまとって、
われわれに取り憑きつづける。          ギ・ソルマン




ネイチャー・センスという柔らかい言葉の題目。日本人による日本の自然が表現された。
nature sense。直訳すると自然感覚。
私たちがいう「自然(しぜん)」は19世紀末に輸入されたNatureの訳語として採用されましたが、日本にはもともと自然(じねん)という考え方があって、「自ずから然(しか)らしむ」、「あるがままの状態」を意味します。これは「無為自然」に起源をもつ親鸞や道元などの仏教的な思想から来ています。Natureの訳語としての「自然」も、日本では人間と対抗する野生や原生林といった自然ではなく、人間もその一部である森羅万象、天地万物すべてを包含するより広い対象を指しているといえます。
とキューレーターの片岡真実は森美のブログで話す。つまり自然感覚の発見は、そのまま日本のナショナリティの発見に重なっていく。展示を観ていくと、不思議と日本の美意識に訴えかける感覚がするのもそのはずだ。
展覧会を見ながら、私なりの回答のカギが浮かび上がってきた。それは「見守る」あるいは「待つ」という言葉だった。(中略)自然現象が一つの形をとり、それが元に戻るまでの時間の流れ、循環に心身をまかせるということ。それが太古から森で暮らしてきた日本人の、自然との関わり方であるような気がする。
ライターのreikoimamuraさんが自身のブログで感じられたこともそれをよく表している。





吉岡徳仁。
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やはりプロダクトデザインの畑を強く感じさせる作品になっている。職人気質というか、内的こだわりを突き詰めてある共有感覚の次元に達するものだ。



篠田太郎。
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都市のカオスやそこに生活する人間・文化を含めて自然を見渡す視座を与える。流れ出る赤い液体は性を連想させる。自然と動物の同化。とめどもなく流れ続ける生の総体が見えてくる。



栗林隆。
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地球の一部が山で、山の一部が林で、林の一部が実際に訪れた人たちで・・・。実際に自然の縮図を展示してみせた。神業だ。



最後を締めくくるのは、カメラマンの志津野雷とミュージシャンNAOITOとWAWAWAで活躍のチュンが、栗林隆のYATAIとのコラボレションしたYATAI TRIPだぁぁぁぁ!!!!!
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KOREA YATAI TRIP 01-16 まであるので全部見てほしい。そして僕たちも何かやらなきゃ!!と考えるきっかけになればいい。

たとえマルクス主義が死んでも、裸の王様は、新しい服をまとって、
われわれに取り憑きつづける。          ギ・ソルマン

ジジェクはソルマンの言葉を借りて、現代を批評する。裸の王様とは、人間の利己主義を、新しい服とは今のエコロジズム・歪んだ自然の捉え方を指す。自然がナショナリティと重なると書いたが、この展示の最後は、韓国と北朝鮮の国境の旅で締めくくられた。これは偶然ではない。ネイチャーセンスが行きつく先は、違う国同士の摩擦に行き着く。逆に言えば、他者との相互関係の中で、よりネイチャーセンスが浮き彫りになっていく。自国への問いは隣国への問いである。答えではなく、問い続けていかなければならない問い。

資本主義ははじめて意味を解体した社会・経済制度である。

食い縛った歯から押し出すように語られたであろうジジェクの言葉に沿って、僕らはもっとあらゆる意味を考え抜かなければならない。その初めに、この展示でネイチャーの意味を思考することは、現代の状況を打破する大きな活力の源泉となるに違いない。
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by tokup_nao | 2010-08-05 00:39 | 美術 | Trackback | Comments(6)

Where is Architecture?

「建築はどこにあるの?7つのインスタレーション」
東京国立近代美術館 企画展ギャラリー
2010年4月29日(木)~8月8日(日)

声に出して言ってみよう。

「建築はどこにあるの?」

そのとたん、その言葉は宙にふわりと浮いて、なに色にも見えない淀みと煌めきを含んでいるように見えてくる。そう、建築には場所があって初めて仕事が動き出すものなのに、この言葉はその建築の場所を探している。もしくは、あなたが知っていた、誰かから聞いた建築を再び探しに行く建築の旅でも始まるかのようだ。
哀愁さえ漂ってきそうなこの言葉を手掛かりに、現代建築が、そして僕らが背負うべきこれからの建築がどこにあるべきなのか考えたい。

「建築はどこにあるの?」

あなたは、これに何と答えるべきか。




全体を見てみて、体を動かす作品が多かった。
その中でも中村竜治の『とうもろこし畑』は動きながら見ると楽しい建築であった。



『写真と建築』の議論はたくさんされてきたけど、『動画と建築』って聞かない。建築と映画が近いかもしれない。そこにはストーリーが入ってくるだろう。
もっと身体的に線型的なストーリーとコンテクストに乗っかって、感じて楽しいという意味での動画と建築。身体で感じる時間経過と建築といってもいい。インスタレーションということでは、その体感できる建築のようなものが上手く表現されやすかったようだ。また、言葉ではなく共有できる身体感覚で共感させるということでは、日本の特徴を表す現代建築にとても接近していた展示だったかもしれない。

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by tokup_nao | 2010-06-16 01:33 | 美術 | Trackback | Comments(2)

やっぱ かおが すき

猪熊弦一郎(1902-1993) 「猪熊弦一郎展 いのくまさん」
4月10日(日)~7月4日(土)
東京オペラシティアートギャラリー

「最も優れた芸術は建築である」

20世紀を駆け抜けた洋画家・猪熊弦一郎。僕らにとっては身に余る程の力強い言葉だ。
今回の展示は、詩人・谷川俊太郎が執筆した絵本、『いのくまさん』から生まれた企画展。展示の流れは本の流れと同じであった。(谷川俊太郎と言えば、建築家・篠原一男の施主である。あのキラキラと光輝く大きな屋根を持った『谷川さんの別荘』は傑作。)
その谷川さんの絵本の中へと、小さくなって入っていくような会場構成が、いのくまさんの展示にはとても愛らしくしっくりきていた。ダンボールもくったりしててかわいい。
猪熊さんは、パリへとNYへとハワイへと移り住みながら、それぞれの師や土地の環境に感化されながら、作風をガラリと変えていった。しかし、どの作品にも猪熊さんの優しい嬉しいであろう豊かな温もりの感じられ、心がホッとするものばかりであった。
ネコくんたちやトリさんたちにはやられた。ほんとに動物を愛しているんだなと感じさせる。これは絵が持つ強さだ。どんな強い言葉よりも、深い感情を感じてしまう。

この感情に答える建築を、猪熊さんは今もどこかで心待ちにしているのか。
はたまた、変てこな現代建築を見ながら、笑いながら筆を握ってそうだ。
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明日にでも、近所のネコくんやトリさんのお顔をよく覗いてみてはどうだろう。そこから愉快な新世界が見えてくるかもしない。
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by tokup_nao | 2010-06-07 00:13 | 美術 | Trackback | Comments(2)

衰退と成長の記憶

古屋誠一 メモワール. 「愛の復讐、共に離れて…」
5月15日 ( 土 ) ~ 7月19日 ( 月・祝 )
東京都写真美術館

1985年10月7日、東ドイツ建国36周年の記念式典が行なわれているさなか、夫と息子の三人で住んでいた東ベルリンのアパートの9階から身を投げた。統合失調症の妻・クリスティーネが自ら命を絶ってしまった。
それから、11年のブランクを乗り越え現像され発表された「メモリーズ」を含めた古屋誠一の集大成と言える展示。

「彼女の死後、無秩序な記憶と記録が交差するさまざまな時間と空間を行きつ戻りつしながら探し求めていたはずの何かが、今見つかったからというのではなく、おぼろげながらも所詮なにも見つかりはしないのだという答えが見つかったのではないか」

古屋の残す言葉と写真には、個人的でありながら、どこへでも通じる真理を持っているようでドキリとさせられる。滅びゆくクリスティーヌと、成長しゆく息子の光明。
どうしようもない時間の流れの中で、古屋は紆余曲折しながらシャッターを切り続ける。

あの11年には記録を記憶に熟成させる期間だったのだろうか。これは、写真家でありながら自分の記録には背を向け、しかしそれはどういうことが考え続けた古屋の戦闘の歴史でもある。「円環」と題された動物の抜殻の写真にも、自分の立場を如何に客観的に見ようかという苦悩を感じさせる。

多くの媒体が急激に発達し、何でも記録に留めることができるようになった今、あなたはどれだけの記録を記憶に昇華させることができるだろうか。
時間や空間を亡きものにして、主体と客体の関係を葬り去り抉りだされた写真群。古屋の写真には、どれも哀しい痛みが伴う。
そこにどうしようもないリアリティを感じてしまう僕には、それが返って心のどこかよくわからないところにすんなりと収まることができていたようで、それがせめてもの救いであった。

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左はジャンルー・シーフが撮った若きジェーン・バーキン。
右が古屋誠一の息子の背中。桜の花が散っているので、日本に来た時の写真であろうか。何だか気持ちがひりひりする感じだけど、きれい。
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by tokup_nao | 2010-05-19 23:43 | 美術 | Trackback | Comments(0)

心の眼

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今年の2月25日に亡くなってしまった稲越功一の、生前最後の写真展に行ってきた。

村上春樹は「稲越功一の写真は、僕の中にあるような『通り過ぎていった風景』の数々を思い起こさせる。僕はページを繰りながら、懐かしさのようなものさえ感じることができる。もちろん僕はこれらの写真にある風景を自分の目で見たわけではない。でもそれらの風景は、不思議に僕の記憶を揺り動かすことになる。」と述べる。

稲越の写真は、日常で安らかに気を抜いている瞬間に目の前にフッと入り込んでいた風景が形になったようなものだった。そこに吹いたその風が、またそこの温度や湿度さえもが、ひっくるめて貴重なそこの場所の体験だったようなものが写真になっている。その湿気を帯びた写真は爽やかでないにしても、近くに置きたくなるような憎くいとしい気持ちにさせる。春樹の言う懐かしさという言葉以上に、何かこの写真には得体の知れない柔軟性とそこに在るのかよくわからないひた向きな力を感じる。稲越にとって、最後になってしまった「まだ見ぬ中国」のシリーズでは、その優しく広大な力の源泉を探っているようだ。探検はまだまだ続くのだ。


http://koichi-inakoshi.com/
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by tokup_nao | 2009-10-07 00:46 | 美術 | Trackback | Comments(0)

マーク・ロスコの亡霊

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部屋の壁が、かつてこれ程重たく感じたことはあっただろうか。中央に置かれたベンチに座ったとたんに立てなくなってしまう。得体のしれない、大きな大きな外形線を持たない重たいものに包み込まれた。しかし、その質量はたった一枚の紙に塗られた絵具分にしか相当しない。
ロスコが持つ緊張感と圧迫、抑圧、支配感、そしてどこからともなくやってくる安心感。対立しながら両立する感覚がぐんぐん刺激され、停滞しながら変わり続ける。どうしようもない自然現象のようにそこに存在する。

マーク・ロスコ〔1903-70〕
彼の絵画が持つ空間体験には心底恐れ入った。たまげた。

いい絵は、考える前に感じさせてくれる。その感覚の余韻がやっとなくなってくれたときに、やっと僕は考えることを始めることができた。それほど、あの絵は、というか、あの部屋は強烈であった。
あの絵には単純なフォルムの中に見えない技術が潜んでいる。X線を照らすと人間の目では見えない色・形が浮かび上がってくるそうだ。それを確認する方法は、絵を斜めから見ることだ。正面から見たときとは違うものが出てくる。僕らは、僕らの知らない感覚で、この色を見ていたのかもしれない。

20世紀のロシア出身のアメリカの画家。抽象表現主義者。

抽象絵画を見ていつも思うのは、この定量化できない感覚を裏付ける技術が、確かにそこに存在しているということだ。結局は紙と絵具だ。ジャクソン・ポロックだって感覚で絵具を垂らしているようで、彼の中には確かに「垂らし方」という技術の構築はあったのだろうと思う。だから、ある人がポロックに嫌味として送りつけたような、五歳の男の子の落書きとはまったく別ものである。
鑑賞者にとって技術が見えなくなることが、抽象絵画には必修条件である。それが感性への扉を開く鍵となる。

そのロスコの技術の格闘・美術研究への熱心振りを裏付けるのが、自身の書いた芸術論である。
1940年代後半、自身の芸術がいまだ確立しない苦しみの中にあったロスコは、一時的に絵筆を置き、それに替えてペンを執った。そこに残されたのは、画家としてではなくオブサーバーとして造形芸術を語り、現代と古代のあいだをわたりながら記された、美術の〈リアリティ〉の系譜である。(『ロスコ 芸術のリアリティ』裏表紙より)

僕が行ったのは千葉県佐倉市の川村記念美術館の「ロスコ・ルーム」。実家から車で15分ぐらいであろうか。
そのロスコ・ルームには四面の壁すべてがロスコの絵で埋まっている。
その他にイギリス・ロンドンのテート・モダン(テート・ギャラリー)、ワシントンのフィリップス・コレクション(ワシントンD.C.のナショナル・ギャラリー)にロスコ・ルームがある。

これらはもともとNYのミースの代表作、シーグラムビルのレストランの壁面全面を飾るために作られた連作であった。がしかし、ロスコがレストランを訪れたときに、「これは違う」と言って全部はずしてしまったのだった。
40枚ほどあった連作はばらばらになって世界各地の3箇所の美術館に収蔵された。その一部のスタディが下の写真である。
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川村美術館にはそのときのキュレーターとのやり取りであった手紙が展示されており、ロスコがどれ程慎重にこの展示を実現させようとしたか、その重みが伝わってくる。

もし、今地球上にバラバラに散らばった40点の作品を一度に集めて展示したら、どうなってしまうのか。地球上で最も深い洞穴にでも突き落とされてしまいそうだ。

やるかやらないか。その彼の探究心は底知れない。完璧でなくてはならなった。
底知れない絶望か、底知れない幸福か。どちらにしても恐そうだ。

そして、ロスコは1970年に謎の自殺を遂げた。
あの部屋で僕は、ロスコの亡霊に会ったのだと確信している。
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by tokup_nao | 2009-08-13 17:57 | 美術 | Trackback | Comments(0)

見えないデータを可視化する装置

googleは世界をデータで再構築しようとしている。googlemapからgmailに、googlephoneまで登場する。データの蓄積は順調に進んでいる。
それはかつてバックミンスターフラーがドームで一定の広さを包みこもうとすることには飽き足らず、それこそデータで世界を包みこもうとしたことをやろうとしているわけだ。
宇宙船「地球号」は輪郭を得ることができるのか。


もしその膨大な、途方もないデータ、僕らが可視化できないデータ群に少しでも輪郭を与えることができるなら、どれだけ奇妙な、不愉快な?、愉快な?、未体験ゾーンに僕らを連れ去ってくれるのか。
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池田亮二はこれに一石を投じる。

http://www.youtube.com/watch?v=i4K0mksDmd4&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=T0aOTOwredw&feature=related

ただ数字の羅列や連続音を聞いて、見たりして、群がりはしゃぎ騒ぎ立てる様は不気味な感じがする。
でもそれは僕らの日常とあまり変わらないのかもしれない。携帯電話やGPSやPCを駆使してみんなで通信し合いデータを交換し保存し蓄積していく。日々アップグレードに精を出す。データと人の間に色んな媒介があって関係が構築される。池田亮二はその媒介をシンプルにしただけに過ぎない。

http://www.youtube.com/watch?v=2S_2r0J7bHo&feature=related
http://www.youtube.com/watch?v=TvyfKMsC5qs&feature=related

ノイズが気持ちいいのはもともと人間の性でもある。赤ん坊がお腹の中に入っているときに母体に流れる血流の音がそれに似ているからだ。テレビで砂嵐のノイズを泣いている赤ん坊に聞かせるといい。すぐに泣きやむから。

池田亮二は僕らに砂嵐を聞かせに来たのかもしれない。

東京都現代美術館
池田亮司展 +/-[the infinite between 0 and 1]
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by tokup_nao | 2009-05-20 07:43 | 美術 | Trackback | Comments(0)


tokup.nao@gmail.com


by 徳田直之 (Naoyuki Tokuda)

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